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本身就已经是一座剧场了,艺术君遇到中文看不

 

很多人认为:人类追求的一切,就是生命的意义。我不同意。我认为:人们真正追求的,是一种存在的体验,因此我们的肉体才能和心底的存在感与现实感产生共鸣,我们才能真正体会到存在的喜悦。

——约瑟夫·坎贝尔,《神话的力量》

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有位朋友在读苏珊·桑塔格的《论摄影》,看到这样一段话:

继续《爱欲三部曲》之看我七十二变系列,之前讲到了宙斯的前两变:白色小公牛、天鹅。

本文来自 Artsy 网站,作者是CASEY LESSER。

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宙斯不光能变成动物,更可以幻化成融合大自然天气现象与人类产物的东东,比如这个达那厄的故事。

以前艺术君也翻译过一些与艺术教育有关的文章,相比而言,这篇文章主要针对艺术机构,而且有更多可以操作和思考的东西。我知道,国内有些机构在这些方面虽然刚刚起步,但是做得不错。翻译这篇文章,也是希望能带给大家更多借鉴。

她的问题是:

达那厄是希腊古城阿尔戈斯国之王阿克里西俄斯的女儿,阿尔戈斯位于伯罗奔尼撒半岛的西北部。公元前7000年的新石器时代,这里已经有了村落,后来变成城市,到目前为止,是欧洲最古老的、始终有人居住的城市。

文章比较长,所以分两次发布,今天是第一部分。

为什么照片的扩散是对庸俗作品的肯定呢?超现实主义者跟马克思主义者有什么关联呢?

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如何教给你的孩子关心艺术

去年五月,进入 “Frienze 纽约”现场时,我碰到一个同事,他带着自己的两个小孩子。我们刚走过喧闹的帐篷门口,孩子们立刻开始行动,直接冲向Carsten Höller的红色章鱼。他们噗通一声马上跳到旁边,开始讨论:“它是用什么做的?”,“为什么它是红色的?”这是最初的几个问题。

 

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Carsten Höller的红色章鱼

一个多月之后,我又看到他们,这次是在切尔西区,他们对 David Zwirner 画廊中Jordan Wolfson 会动的大玩偶充满好奇。

图片 5 图片 6 图片 7Jordan Wolfson的大玩偶

即便是外人也能看得很清楚,参观艺术,已经是这些孩子生活中的一部分。他们密切接触艺术(身上的热情是很多成年人都难以保持的),让人思考一些问题。艺术中的什么元素主导了孩子的注意力?艺术对于孩子的成长有什么影响?更大的问题是:要做些什么,才能慢慢培养孩子对艺术的兴趣和欣赏?

为了给出答案,我找到了横跨儿童教育和艺术领域的专家。不光主要关注博物馆空间提供的计划,我还咨询了其他艺术专业人士和教育局,希望能树立起更完整的画面,指出重要的因素,有助于孩子的早期艺术欣赏,以及这如何影响一个少年人的大脑。

艺术君遇到中文看不懂的情况,都得回去看原文。这一段也是:

到公元前500年左右,阿尔戈斯有约3万居民,市内有完整的下水道系统。这个完全从山岩中凿出来的剧院,可以容纳2万名观众。

艺术对于儿童早期成长的益处

过去十年,国家艺术基金会(National Endowment for the Arts,简称 NEA)发现了一些强有力的证据,表明艺术有益于儿童早期(从婴儿到八岁)的发育。2015年12月,NEA 发表了一份文献评论,由项目分析专家 Melissa Menzer 主导,其中发现:艺术——包括音乐、戏剧、视觉艺术、文学——和社交、情感技能——比如帮助、关心、分享活动——之间存在联系。

同时,NEA 艺术教育专家 Terry Liu发现:越来越多艺术基金正在和其他门类一起,进入儿童早教领域。“教育艺术家,或是旗下艺术家拥有早教技能的组织,正在跟父母们、或是 Head Start 中心一起,帮助他们把艺术教育和学习在这个很早的阶段结合起来。”Liu 注明。换句话说,艺术不再视为某种创造性的追求,而是用作“帮助孩子学习其他学科的方法”。

Liu 更进一步指出:很多新增的计划不仅“思考艺术和如何学习艺术”,同时将艺术看做“如何用其辅助理解世界的渠道”。人们正在教授年轻的孩子们,让他们知道艺术跟自己身边的世界存在联系。

很多其他研究发现:艺术创作和情感规训(emotional regulation)之间有关系。心理学家 Jennifer Drake 是布鲁克林学院的助理教授,她做的研究主题是:在孩子和成年人之中,素描和情感规训的关系。这些研究围绕6到12岁之间的孩子展开,证明素描可以缓解负面情绪,这些情绪产生于被告知要回忆某件个人的悲伤事件。这些结果激发了更多研究机构的规划,鼓励父母让孩子尽早参与到艺术活动中,那么到底该怎么做呢?

The lure of photographs, their hold on us, is that they offer at one and the same time a connoisseur’s relation to the world and a promiscuous acceptance of the world. For this connoisseur’s relation to the world is, through the evolution of the modernist revolt against traditional aesthetic norms, deeply implicated in the promotion of kitsch standards of taste. Though some photographs, considered as individual objects, have the bite and sweet gravity of important works of art, the proliferation of photographs is ultimately an affirmation of kitsch. Photography’s ultra-mobile gaze flatters the viewer, creating a false sense of ubiquity, a deceptive mastery of experience. Surrealists, who aspire to be cultural radicals, even revolutionaries, have often been under the well-intentioned illusion that they could be, indeed should be, Marxists. But Surrealist aestheticism is too suffused with irony to be compatible with the twentieth century’s most seductive form of moralism. Marx reproached philosophy for only trying to understand the world rather than trying to change it. Photographers, operating within the terms of the Surrealist sensibility, suggest the vanity of even trying to understand the world and instead propose that we collect it.

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结合观看和创作

在观看艺术和创作艺术之间建立共生的关系,这是很多艺术教育计划的基础,也可以作为起点。在博物馆中,教育者制定艺术创作计划,让观众与当下展览的、或是永久的藏品发生联系,这已经是标准化的实践了。

比如纽约的惠特尼博物馆,已经制定了全方位的计划,让各个年龄段的孩子们(从为新生儿和新父母准备的“婴儿车游览”开始)都能参与,不过最受欢迎的计划,是“开放工作室(Open Studio)”,这是室内的艺术工作室之行,由研究生带领,让家庭可以在周末自由参观、创作艺术。“这是一个空降式的艺术创作计划”,家庭计划的协调负责人 Billie Rae Vinson 在电话中这样说。“这种方式可以借助某些实物探索艺术作品。”

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纽约惠特尼博物馆

在“开放工作室”的一天,可能包括制作拼贴,其灵感来自于 Edward Steichen 摄影作品中的高度对比。“博物馆里面很适合讨论,但是艺术家们会做些什么?”Vinson 提出。“他们会做东西,我们得让参与的家庭们也做些东西。”这样一来就是一石两鸟:既让家庭与艺术家的活动建立联系,又激发了灵感。“我们不再试着让父母或是孩子们复制或是制作展品的小尺寸版本,这样显得不够原创;我们想让他们受到这些艺术家的灵感启发,然后自己尝试做些什么。”

其他博物馆也采取了类似模式,比如芝加哥艺术学院,他们有一个每日艺术家工作室计划。“博物馆中的艺术创作会很有力,因为在美术馆里面,孩子们可以将自己的艺术创作想象和他们周围的作品建立联系,”那儿的艺术教育主席Jacqueline Terrassa 这么说。

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芝加哥艺术学院外景

尽管如此,艺术学院最近发现:还是有必要将更多注意力引导到博物馆的展览上。“如何才能让家庭感到博物馆更亲近、逛起来更容易?我们过去希望找到一个有趣的、更能互动的方式,”Terrassa 说。“家庭来到艺术学院,他们常常就呆在 Ryan Learning Center 中,而不是去看其他展厅。”这个春天,博物馆启动了一个全新的数字计划——JourneyMaker,让家庭能围绕着8条故事线创建自定义的游览路线,故事线包括超级英雄、时间旅行,还有怪异和神奇的野兽。

面向孩子的计划围绕家庭展开,这让惠特尼博物馆和艺术学院发现:不仅孩子们常常需要家长或是监护人监督,同时,一起了解和创作艺术的过程,让孩子和成年人之间形成了强有力的共享体验。因此,这些计划成为了家庭的共享空间。“我跟一个父亲聊过,他告诉我:这里像是纽约的起居室,”Vinson 说到惠特尼的空间。“他告诉我:他的儿子在我们的开放工作室中学会走路,而他的女儿那时正在创作艺术。”

首先声明,艺术君没有通读英文原文,所以下面的翻译和论述都是基于自己不成熟、不全面的理解。

9000年的历史,永远不缺乏居民的城市,本身就已经是一座剧场了。派拉姆西、土库美、古巴比伦、古楼兰,这些几千年前曾经无比灿烂辉煌的古城,就像烟花一样,在历史中销声匿迹,人迹罕至。还有一些城市,虽然还有着过去同样的名字,却早已“改头换面”,将“旧世界”砸得稀巴烂,号称要在“白纸上画出最美最好的图画”,而结果呢?恐怕只能呵呵了。那些左手举着大锤,右手却连笔不知道怎么拿的人,看到阿尔戈斯的古希腊剧场,肯定难以抑制“建设”的冲动吧?已经是破破烂烂的碎石场了,又不用找人拆迁,如此黄金位置,这么好的地块,一平米怎么着也得3、4万?

营造灵活的、公共空间,用来体验艺术

以探索艺术为目的的公共空间,这个想法在很多博物馆都受到欢迎。Sugar Hill 儿童艺术和故事博物馆( Sugar Hill Children’s Museum of Art and Storytelling),位于纽约哈林区的 Sugar Hill地产项目首层,由 David Adjaye 设计,去年十月开馆。这里有一个很大的中央展厅空间,称为“起居室”(The Living Room)。现在,这里的墙上画了一幅生动的、有故事性的壁画,来自艺术家 Saya Woolfalk,是她和自己四岁的女儿一起完成的。画廊里点缀着亮橙色的长椅和桌子,父母可以带着孩子们来这里观看、制作艺术,参与到音乐和讲故事的表演中。

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Sugar Hill 儿童艺术和故事博物馆

附近的空间中,是一个专门的艺术工作室,还有展厅空间,一个用来轮流展出当代艺术家的作品展览,有时候是跟孩子们一起完成的作品,另一个展出其他几家合作博物馆已经完成的展览,包括 El Museo del Barrio 和哈林区的 The Studio Museum。“成立这所博物馆,原因之一就是将其作为实验室,看看艺术教育和策展共存时,会发生些什么,”策展计划助理总监 Lauren Kelley 告诉我,“看看是否有更民主的规划方式,而不是仅仅将展览作为教育任务的来源。”

她强调:艺术创作和艺术教育不能跟参与展览分割开来,所有这些都需要孩子们的参与,只是程度不同。现在展出的 Shani Peters 的作品,灵感就来自于艺术家和孩子们的共同创作。这样的展览能够成功祛除“身为参观者那种神圣感,这种感觉让人们很不舒服,”Kelly 提到。“我们希望,从儿童的早期开始,我们就能去掉他们的这种感觉,然后他们离开这里,就会想去大都会博物馆,心里想着‘我觉得这样挺有意义’。”

儿童艺术博物馆(Children’s Museum of Art,简称 CMA)也将展览和艺术创作空间结合起来。博物馆的口号是“观看、制作、分享”,体现出他们的方法:结合细心观看、艺术创作和围绕艺术的对话。这里的艺术创作活动,常常是围绕一个中心主题的群展(目前的展览与体育有关,下一个是室外空间),在主展厅举办,旁边是多个专用的工作室。那儿还有一个粘土吧,可以以家庭为单位注册,创建有趣的雕像。

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CMA 内景

“让艺术变得熟稔起来,成为每天都可以做的事情,而不是与世隔绝,同时帮助孩子们适应它,”Terrassa 说道。“艺术不仅在博物馆里面,它遍布在你的身边。”Jessica Hamlin 是纽约大学 Steinhardt 学院的艺术教育教授,她也表示同意。“在观看艺术作品和创作艺术作品之间,总有这种来回反复,应该如何观看、理解,如何围绕着作品构建语言和欣赏方式,”她提到,“但是还有第三个角度:广泛意义上的美学欣赏。我们可以把这种观察和思考带入自己生活中看到的东西上。”

【第一部分结束,点击可查看英文原文。】

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艺术君的翻译是:

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照片的诱惑,它们对我们的掌控,在于它们一次性地、又是同时地提供了这样的关系:让我们作为鉴赏者观看这个世界,同时又不加区分地接受了这个世界。原因在于,经历了现代主义者反叛传统美学规范的演变过程后,这个鉴赏者与世界的关系深深卷入了[媚俗(kitsch)之品味标准]的推广过程。虽然有些照片,既是个人物品,又有着重要艺术作品的深度和美感,但照片的广为散发,说到底,是对媚俗(kitsch)的肯定和强化。照相术极其灵动的视角,让观者欣悦,营造出一种无处不在的感觉,是一种有欺骗性的经历感。超现实主义者,渴望成为文化的激进者,甚至是革命者。他们常常蒙蔽于出于好意的幻觉中,觉得自己可以,实际上也应该成为,马克思主义者。但是,超现实主义的美学观念中弥漫着太多讽刺,不见容于二十世纪最诱人的道德观。马克思谴责哲学只是试图理解世界,而不是设法改变世界。摄影师们拍照时有着超现实主义者的敏感性,他们认为即便是试图理解世界都是虚荣的、没有价值的,因此应该收集世界。

回到达那厄的故事。

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朋友的第一个问题,在于翻译版本中对于 kitsch 这个词的翻译和理解有问题。

在各个民族的古代神话中,有一个相同的套路,阿尔戈斯国王阿克里西俄斯不幸成为套中人。预言说,国王的女儿将会有一个儿子,这个孩子将会杀死自己的外公。于是,国王将女儿和保姆一起关在戒备森严的地窖中(还有一说是铜铸高塔),严防死守。

首先说 kitsch ,这个词不应该翻译成庸俗,大家公认的翻译是“媚俗”。我记得有个说法是:看到蓝天白云下,草地上玩耍的女孩儿,突然为之流泪,这是发自真心的感动,然后,被自己的感动而感动、流泪,这就是“媚俗”。

地窖也好,高塔也罢,在宙斯的雄性欲望面前,连层纸都不如。万神之神化作一阵黄金雨,让达那厄怀上了自己的孩子、最伟大的神话英雄之一——珀尔修斯,他最为人熟知的事迹,是杀死蛇妖美杜莎。这美杜莎老厉害了,谁敢跟美杜莎对眼神——“你看我干哈?”就会被她当场石化。

an affirmation of kitsch,译为“对庸俗作品的肯定”,这里的 kitsch 应该不是特指某些作品,而是“媚俗”这个泛指的概念。

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揣测一下,桑塔格的意思应该是:大众的审美标准是媚俗的,是表面化的,是不深入的。在前一段中,她说道:生命的意义不在于某些意义深远的、被闪光灯照亮的、永远固定下来的细节,这是相片的意义。(Life is not about significant details, illuminated a flash, fixed forever. Photographs are.)所以,照片广为散发,就是在强化大众表面化的审美标准。

再来看伦勃朗的《达那厄》。

可以看出来:桑塔格持有的是一种比较精英化的审美观,强调深入的、思辨的审美;而不是我们现在人人手里都有的手机和数码相机每天拍出来的那些照片,其中大部分应该都是数码垃圾。艺术君自己也在产生这样的垃圾。

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第二个问题,超现实主义者和马克思主义。

画中与观者裸裎相见的女主角,是一个珠圆玉润的少妇。看不到她的衣服,肯定是被后面的侍女收走了,只有床前镶金钻玉的一双拖鞋。

文中有这样一句话:“经历了现代主义者反叛传统美学规范的演变过程后”。

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西方的现代主义,按照维基百科的说法:从文化的历史角度来说,是1914年之前的几十年中,兴起的新艺术与文学风格,艺术家为了反抗19世纪末期的陈规旧矩,转而用一种他们认为感情上更真实的方式,来表现出大家真正的感受与想法。

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因此,这里的现代一词,跟我们这里官方以前总讲的“四个现代化”什么的,不可混为一谈。现代主义,翔论起来,是艺术君不能 cover 的,这可以相应找些书看看。艺术君的公众号之前摘录过《十九世纪欧洲艺术史》的导论,可以参考。

她在这床上大约已经躺了很久,松软的床垫、白色的靠枕,应该是用最好的埃及棉缝制的吧?

至于超现实主义者,他们希望的是打破常规的世界,反抗资本主义或者中产阶级的“媚俗”(超现实主义源头之一凡·高认为:艺术永远不应只是安抚中产阶级的自我满足心理,而是要看做为社会服务的政府部门),是从文化或者个人层面反抗体制,而马克思主义的影响,是从体制层面反抗体制。

图片 20图片 21还有轻薄的床单,一切都贴合、从而凸显着她曼妙的曲线,就像这幅画一样:镀金的床脚和床架、猩红镶金的桌布、绣艺华美的帐幔、纹饰繁复的床铺,再加上那似乎是黄金打造的小天使,这些金碧辉煌、极尽奢华之能事的陈设,都比不上女子的身体光亮、耀眼。

在我看来,不管是超现实主义者,还是马克思主义者,就连我们每个人自己都包括在内,在人生的某个节点,总要思考自己的人生的意义何在。就像王石说的,是求财,还是求名。这种思考,究其本质,是知道短暂的人生终将终结,面对无尽的时间和空间、面对永恒时产生的那种无力感。而超现实主义者和马克思主义者都在历史上留下了自己的名字,在这个层面而言,他们的生命产生了意义。而吊诡之处在于,虽然他们都想反抗资本主义社会体制对人的异化,对于个体人生意义的抹杀,超现实主义者实现了一小部分,让一些人意识到了这个问题,而马克思主义者却抹杀了几千万乃至上亿人的肉体生命,更不要说他们的人生意义了。自己的后人做出这样的事情,应该不是马克思乐见其成的。

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这本《论摄影》还有一个1999年湖南美术出版社的译本,艺术君觉得其中的文字相对更流畅,理解也更深入,但是有关键词的错漏情况,比如这句话:

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不过超现实主义美学也嘲弄过甚,无法与二十世纪最富有魅力的现代主义形式和谐共存。

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原文中是这样的:

为了不妨碍稍后的事,她的秀发精心盘在脑后。脸上的微笑,期待的眼神,邀约的手势,化作微启朱唇中的五个字:“你终于来了。”

But Surrealist aestheticism is too suffused with irony to be compatible with the twentieth century’s most seductive form of moralism.

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这里的 moralism 还是指马克思主义,而上面这个译本明显是看做 modernism 了。一个关键词的错误,导致意思十万八千里。

 

类似《论摄影》这样的经典,翻译时必须慎之又慎,虽然这个译本胜在文字,但如果能多审几遍,应该更好吧。

在这样的女子面前,一切言语、一切权力和金钱都已经失去了意义,我们只想和她相拥、欢爱。

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那种温暖、安全的感觉,让我们可以把所有的担心抛在脑后,把我们带回子宫的羊水中,再次体会一种存在,一种没有任何功利目的性的存在。

以上文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。

又不只是温暖与安全。

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性高潮体验,是每一个人类个体不需要借助药物就可以达到的巅峰体验,是每一个人类个体最难以用语言描述的感受,从而也是每一个人类个体最自我的感受。在性高潮中,我们自身的存在感达到极致,又与整个世界、与宇宙融为一体。这一刻,我们领悟了存在的真理:

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真实的个体存在感,来自于与世界和宇宙的合一——我即万物,万物即我。

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神话学家坎贝尔曾为人类“不能承认人性本具的食色本能”感到悲哀,而所有的英雄、所有的冒险,其本质不是什么英勇的行为,而是自我发现的过程——“英雄战胜阴暗的强烈情绪,象征了他可以控制自身内在的那个非理性的野蛮人。”

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因此,欣赏伦勃朗的这幅画,这幅人类“爱和欲望”的代表作,就是在发现真正自我的路上,又迈进了一步。

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可惜,不是所有人都是英雄,不是所有人都能控制自己内在的野蛮人。

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1985年6月15日,隐士博物馆,一个男人向这幅画泼去自己带来的硫酸,又用刀在达那厄身上连划两刀。画面构图的整个中心部分变成了一大片泼溅物和滴落颜料的混合体。受伤害最大的,就是达那厄的脸和头发、她的右臂和腿。

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12年的漫长修复过程,当天就马上开始了。听取了化学专家的建议后,修复专家们用清水洁净画面,让画作保持垂直姿态,再向画面喷洒清水,防止颜料进一步溶解。

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然而,当时还存在的苏共中央委员会建议:直接重新把颜料画上去,然后放回原处就好了。所幸,这些野蛮人的魔爪还无法伸到博物馆工作人员的手上。

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回看过去,那一个和这一群野蛮人,他们不就是“不能承认人性本具的食色本能”吗?

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而那一个野蛮人,被苏联法官判定为精神分裂,再也没有人见过他。

噢,你问那个预言结果如何?

珀尔修斯完成了一系列功业之后,回到阿尔戈斯。外祖父听到外孙到来,马上想起预言家的话,逃亡他乡,珀尔修斯当上了国王。在他举办的一次竞技比赛中,外祖父前来观战,却被珀尔修斯掷出的铁饼砸中,一命呜呼。

掌管命运的三个女神会引导有志者,随波逐流的人则被她们牵着鼻子走。——古罗马谚语

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达那厄,伦勃朗,1636年,布面油画,185厘米 x 203厘米,修士博物馆,圣彼得堡,俄罗斯

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